miércoles, 27 de mayo de 2015

Trigésima segunda sesión (26/05/2015, martes)


Jean Baudrillard, San Clemente, 1987

En la última clase de nuestro curso, vimos, comentamos, analizamos y pusimos en contexto de cotejo contemporáneo, a los siguientes autores: 
Philip-Lorca diCorcia (video)
Jean Baudrillard (sí, también como fotógrafo)

Trigésima primera sesión (21/05/2015, jueves)

LINE OF BEAUTY AND GRACE - Trailer from Christian Klinger on Vimeo.



Iniciamos la clase haciendo una revisión de varios autores que consideramos importantes, no sólo por su desempeño original en la producción simbólica del arte fotográfico, sino porque también se insertan en un nuevo discurso de narrativas visuales que con el uso de nuevas tecnologías permiten la producción de un nuevo estilo o formato de imágenes. Por tal motivo, fuimos a nuestra carpeta de obras por autor y vimos el trabajo de los siguientes artistas, siguiendo un orden establecido por analogías y referencias de estética, composición y discursos que los vinculan en cierta medida (son los que tienen una flecha):

Alejandro CartagenaLewis Baltz
Alexander ApostólJosef Schulz
Anna Verlet Shelton
Liu Zheng
Lise SarfatiAino KannistoRineke Dijkstra → Jock Sturges (el documental sobre su vida se encuentra al principio de esta publicación)
Bert Teunissen
Romano CagnoniDaido Moriyama
Jan Saudek (Labios con Gota, como los de Moriyama)
Álvarez Bravo (La Parábola Óptica, como los Ojos de Moriyama)
Shizuka Yokomizo
Olaf Breuning
Hans Eijkelboom

martes, 19 de mayo de 2015

Trigésima sesión (19/05/2015, martes)



Hicimos caso de una gran recomendación y vimos un par de apartados o capítulos de Story of Film de Mark Coussins, y grata sorpresa, que luego fuimos por más.

Retomando un poco al cine ruso o al anterior cine soviético, revisamos este clip de la película de Bela Tarr, Satantango (1994), bellamente adornado con un pasaje de Salve Regina, versión Arvo Part y el Coro Filarmónico de Estonia.

Terminamos también la sesión con un corto dinámico, que nos ubicó en un contexto más cercano y acorde a los tiempos del ¿a dónde va el nuevo cine?; nos referimos al videoclip de los Biting Elbows Bad Motherfucker (se encuentra al principio de la publicación), dirigido por el también ruso, Ilya Naishuller.

sábado, 16 de mayo de 2015

Recomendación: The Story of Film



Todo el documental The Story of Film: An Oddysey (Mark Cousins, 2011), que narra década por década la evolución del cine alrededor del mundo, está disponible en esta lista en YouTube. [En inglés, con subtítulos en español]

Vigésima novena sesión (14/05/2015, jueves)

Se canceló ésta sesión por asuntos académicos.

miércoles, 13 de mayo de 2015

Vigésima octava sesión (12/05/2015, martes)

© John Stezaker


El día de hoy iniciamos la sesión hablando de cómo se configura el posmodernismo, acorde con la línea de investigación de Perry Anderson. Por esto, acudimos a comentar algunos aspectos sobre la propuesta de Robert Venturi, y de cómo el giro lingüístico se ubica en un reacomodo de interpretaciones sociales hacia el interior del campo del Arte y de la Teoría Social de los años sesenta en adelante. 

El texto Los Orígenes de la Posmodernidad de Perry Anderson está disponible en este archivo en Scribd

Posteriormente, vimos la obra de Gary Schneider, John Stezaker y Josef Schulz.

lunes, 11 de mayo de 2015

Vigésima séptima sesión (27/05/2015, jueves)




En la clase del día de hoy iniciamos la sesión viendo el documental Long Live Film, importante para tener una idea de cuáles son los criterios que establecen que se sigan usando métodos y prácticas tradicionales con materiales análogos en sustitución de las plataformas digitales. El documental está anexo al principio de esta publicación.

El video, y los comentarios entre los participantes en el grupo, nos llevaron a plantear algunos aspectos relacionados con el advenimiento de las interfaces digitales y su cotejo con formas de producción y resultados de imágenes análogas. Consideramos también importantes a los métodos conocidos como “procesos de enlace” o link processes, que permiten hacer fotografías desde plataformas análogas y que, posteriormente, se reproducen desde un original como copia maestra para tener varias reproducciones digitales.Aunque consideramos varias ventajas de uno y otro proceso o estructura de producción de imágenes, en todo caso, de momento le dimos más importancia a un enunciado que viene de las apreciaciones sobre las cámaras análogas que hacen los hermanos Wright en el documental:
Tomar demasiadas imágenes para estarlas revisando en la inmediatez cambia totalmente la forma de acercarse a la forma en que descubrirás cuál será tu foto… no necesito ver las imágenes en la pantalla de la cámara digital, porque al disparar (con la cámara análoga) igual sé que está ahí la foto; por la certidumbre que antecede al disparo, sé que la tengo, que ya la tomé.
Posteriormente, pasamos a ver un ejemplo de uso de una cámara análoga de vista, con placas de 8x10 pulgadas de película positiva; con iluminación artificial, como es el caso de Gregory Crewdson. Al ver una cantidad de fotografías del autor en mención, esto nos llevó a hacer un par de analogías con la obra Stanley Kubrick, en específico, en relación con la película Eyes Wide Shut (Stanely Kubrick, 1999) (trailer), y con algunas de las pinturas más celebres o reconocidas del pintor Edward Hopper.

miércoles, 6 de mayo de 2015

Vigésima sexta sesión (26/05/2015, martes)


Aunque la clase se pospuso para la siguiente sesión, se inició una discusión en torno a las posibilidades de los medios de comunicación de crear una propuesta estética desde ahí, con modelos o esquemas establecidos por los propios fotógrafos de prensa.

Un caso paradigmático al que recurrimos fue el de algunos fotógrafos de prensa de Ciudad Juárez. Por tales motivos, y para el propósito visto en la sesión vimos el documental If Images Could Fill Our Empty Spaces, de Alice Driver, investigadora sobre la Imagen de la Violencia. El video está anexo al principio de esta publicación.

Vigésima quinta sesión (30/04/2015, jueves)




En esta sesión, revisamos obra de:


miércoles, 29 de abril de 2015

Vigésima cuarta sesión (24/04/2015, martes)

León Golub, Escuadrón Blanco I , acrílico sobre lino, 1982

En la introducción a la clase, se hicieron comentarios sobre el problema que representa la alteridad en un plano de representación sobre la imagen. Mencionamos como referencia al tema, el texto de Anna María Guasch El Arte Último del Siglo XX; del Posminimalismo a la Multiculturalidad, el cual tiene un apartado que explica, de manera indirecta, cómo es que a fines de los años setenta varios artistas en los grandes circuitos fueron influenciados por las narrativas (o giro lingüístico) de los teóricos sociales que se ubicaban en lo que se conoce como post-estructuralismo. 

A la pregunta expuesta, hubo una respuesta sobre el devenir del arte a partir de un ejercicio político, y cómo esto se relaciona con lo que es efímero o con los hechos históricos que se suscitan de una manera muy espontánea o inmediata y que al mismo tiempo así como aparecen con la misma velocidad desaparece. Eso nos llevó a tratar de ejemplificar cómo el autor Leon Golub podría tener cierto grado de permanencia y al mismo tiempo de atemporalidad. El ejemplo permite entender o cuando menos acercarse a la idea de que hay hechos históricos que tienen más presencia en ciertos ámbitos, como lo fue la Guerra de Vietnam en los años sesenta o la lucha por los derechos civiles que sostuvo la población de origen negro en los Estados Unidos.

 Mientras veíamos obra de Golub, llegamos a analizar como hay otras formas de protestar o de hacer manifiesto en ciertos discursos que se muestran de una manera más sutil en nuestro país, como es el caso del pintor mexicano Daniel Lezama. Por tanto, vimos obra plástica del artista en mención, y eso nos llevó a hacer un cotejo en el ámbito de lo discursivo en relación con parte de la obra de Teresa Margolles.

El ejercicio político que se relaciona con el manifiesto en el arte tiene también una impronta de carácter estético. Las luchas por un mundo mejor o por sociedades más justas, como lo fue en la revolución sub-sahariana (Egipto, Argelia 2011), es una forma de ver el mundo a partir de lo que se comparte en los sistemas de comunicación actuales. Para eso tomamos prestadas alguna imágenes del New York Times que ilustran la crónica de esos días y que ponen en evidencia la forma paradigmática de comunicación actual.

También se pusieron en contexto para su discusión algunos datos históricos relevantes de la lucha histórica latinoamericana y de un evento internacional relevante: Por un lado, la protesta de los estudiantes chilenos y por otro, la perseverancia de las Madres de la Plaza de Mayo en Argentina. También, la destrucción de las Torres Gemelas en Nueva York en el 2001. Esto nos permitió entonces discutir sobre las posibilidades de los medios de comunicación y argumentar sobre lo que se muestra como una evidencia. El affair Narciso Contreras en Asociated Press y una fotografía de Pete Souza del staff de la Casa Blanca nos permitieron poner en debate la estructura jerárquica que decide qué es lo que se ve y qué no.

sábado, 25 de abril de 2015

Vigésima tercera sesión (23/04/2015, jueves)



Evgen Bavcar, durante su visita a México, en el 2013

Se inició la clase con la presentación de un documental de Joao Jardim (imdb) y Walter Carvalho (imdb), La Ventana del Alma (2001). Este documental, plantea la posibilidad de ver en la condición de la invidencia o las discapacidades de la visión. Iniciamos con una discusión en torno a un problema de paradigmas. Es también un mensaje para considerar el mundo determinado por el consumo de las imágenes de manera tradicional. Aunque en el documental aparecen varios artistas, intelectuales y personajes importantes relacionados con el arte y la visualidad, suponemos que dos de ellos hacen comentarios muy interesantes que permiten ponernos a discutir sobre el poder de la imagen y la visión. Por un lado, Wim Wenders refiere a un mundo sobrepoblado en el consumo de las imágenes que las más de las veces no nos permiten ver más allá de la propia imagen. Por otro, Jose Saramago hace una referencia alegórica de su Ensayo Sobre la Ceguera (1995), y aporta a la discusión una idea –entre muchas- que permite discernir sobre la imposibilidad de ver nuestra propia ceguera, incluso en situaciones de visión perfecta.

Este documental nos permitió seguir en el debate en torno a la posibilidad de la imagen como criterio canónico sobre la objetividad.

El problema del cuestionamiento sobre la imagen no es nuevo, dijimos en la sesión, y nos remontamos a lo que Walter Benjamin, Siegfried Kracauer o posteriormente Gaston Bachelard –entre otros- proponen como discusión sobre la rectificación o pontificación de la imagen por encima de la imaginación. Aunque podríamos argumentar que ésta trasciende a aquella, por lo general delegamos toda facultad a la imagen como icono de idolatría.

En las escuelas de artes visuales, nos acercan a comprender, en cierta medida, lo que suponemos que es lo asequible en un orden de sentidos impuestos. En este caso, la visión como parámetro de objetividad. Sin embargo, un apartado que queda al márgen es el que se encuentra en lo que no es visible; en la abstracción como tal o finalmente en lo que sabemos que está en algún lugar de la imaginación.

Hicimos comentarios sobre una obra en específico, de Karl Mannheim, Diagnóstico de Nuestro de Tiempo (FCE, 1944), y para ello, recurrimos al ejemplo de la construcción de la geodésica como referente de la realidad espacial, y a cómo es que cuando uno se posiciona no se pueden ver todas las caras del mismo cuerpo. “… hay que moverse para poder verlo todo” dice Wim Wenders en el documental de la Ventana del Alma.

Así, podríamos argumentar que si la ceguera nos lleva a la visión en la alteridad de los sentidos restantes, habríamos de tomarlo en consideración a la hora de hacer una sumatoria de lo que tenemos a la mano para comprender una realidad visual más detallada o pormenorizada.

Dejamos pendiente para una discusión futura la obra de Robert Barry en su serie Inert Gas, como tema para discutir lo que se conoce como “el no estar ahí”.




viernes, 24 de abril de 2015

Vigésima segunda sesión (21/04/2015, jueves)

Foto: Manuel Álvraez Bravo

Foto: Mariana Yampolsky

Aunque la clase de hoy se canceló, porque quien imparte el curso formó parte de un jurado en un concurso de fotografía, de dicha sesión se desarrolló un tema en el lapso de una hora.

Se volvió a hacer alusión al tema de la fotografía mexicana hecha por mujeres, y se volvió a analizar parte de la obra de Graciela Iturbide y Mariana Yampolski. Esta autora, nos remitó a hacer una analogía entre una fotografía de ella y otra de Manuel Álvarez Bravo.

viernes, 17 de abril de 2015

Vigésima primera sesión (21/04/2015, jueves)

Graciela Iturbide, fragmento de  Señora de las Iguanas, tomada de Art21, ©Graciela Iturbide

En la clase de este jueves seguimos con el tema de la fotografía en México, pero bajo la perspectiva de género, y vimos fotografía de Lizeth Arauz y Graciela Iturbide.

En eso estábamos cuando nos dimos cuenta de que podríamos abrir un canal de discusión que nos pusiera en la modalidad de análisis sobre la estética que se repite, lo que muchos fotógrafos hacen y que otros ya han hecho.

Por ejemplo, vimos lo que hizo Germán Canseco en su libro Hecho en Juárez y luego fuimos a ver lo que hace años propuso Eugene Richards con su Cocaine True Cocaine Blue (Haciendo click en el nombre se abre un video en Vimeo donde se hojea el libro) y encontramos un desfase en la analogía, es decir, una propuesta que parece ser ya vista pero no sólo eso, sino en un esquema estético que se repite.

 Nos hicimos una pregunta ¿Por qué parece que tienen que ir tan lejos o meterse a lo más abyecto y oscuro de un submundo, para entonces ser ponderados por eso?
¿Qué valoramos; a la fotografía o a que los fotodocumentalistas hagan una travesía por esos inframundos que a la sazón, son vistos como grandes logros?
¿Es que no se han hecho todavía?
¿O se tienen que seguir haciendo?

Tomamos prestadas unas palabras de Manuel Álvarez Bravo, quien dijo en ocasión de una entrevista con Peter Adams, lo siguiente:

   “ Los ojos son el instrumento principal de un fotógrafo, por extraño que parezca, muchos fotógrafos escogen usar los ojos de otro fotógrafo, del pasado o del presente, en lugar de los propios. Esos fotógrafos, están ciegos”.

Esta línea me parece muy interesante porque no coincido con la idea de que el “instrumento de los fotógrafos son los ojos”, y creo que lo que dijo Álvarez Bravo es un poco ingenuo, si no considera que él también fue influido por la visión de otros fotógrafos o que a él mismo, varios de sus ponderados alumnos le han copiado hasta la saciedad.

Con esa línea terminamos la sesión del día, viendo cómo varios personajes de la plástica y visualidad mexicana han copiado a otros y han cedido a una la influencia de un sentido estético que viene del exterior y no de una producción original del seno más nacionalista.

miércoles, 15 de abril de 2015

Vigésima sesión (14/04/2015)

Fernando Brito, De la serie Tus Pasos Se Perdieron con el Paisaje, Conaculta, © Fernando Brito
En esta sesión hicimos un regreso al curso, con una revisión de la obra de Roger Ballen. Su trabajo nos llevó a considerar también el estilo fotográfico de Richard Avedon: Mientras veíamos a Avedon, consideramos necesario revisar también algunos ejemplos de los retratos de Annie Leibovitz (entrevista). 

Antes de pasar a la unidad donde veremos fotodocumentalismo en condiciones de Guerra, como sería el caso de Robert King (Se hizo un documental sobre su trabajo en la guerra, se puede consultar la página oficial aquí) y James Nachtwey. Hicimos una parada en un subtema relacionado con la fotografía en México, pero partiendo de una perspectiva de género. Iniciamos esa unidad con obra de Maya Goded y Patricia Aridjis (su serie Las Horas Negras puede verse aquí), las cuales nos remitieron a lo que hizo Cartier-Bresson en nuestro país en su viaje a mediados de la década de los años treinta en el siglo pasado. Hicimos analogías temáticas de la obra de las dos fotógrafas mexicanas, y así, tejiendo temáticamente la composición y el discurso fotográfico, terminamos con un análisis un poco más detallado de lo que ha hecho Fernando Brito con su serie de imágenes de cadáveres en paisajes (algunas están aquí)

 Como punto final, revisamos un poco de la obra fotográfica de Manuel Álvarez Bravo, de manera muy escueta y pensando en hacerlo con más detalle en otra sesión.

sábado, 28 de marzo de 2015

Décima novena sesión (26/04/2015)


Para esta sesión, se acordó hacer un ejercicio de campo en el centro de la ciudad, con motivo del Día de las Flores. Se reinician las clases el día martes 14 de abril.

miércoles, 25 de marzo de 2015

Décima octava sesión (23/03/2014)



Iniciamos la sesión poniendo en orden la guía de subtemas, y dando seguimiento, dejamos pendiente la presentación de la entrega sobre Nueva Plástica, para pasar a la proyección de la película de Patricia Rozema, El Canto de las Sirenas (Título original: I've heard the mermaids singing, 1987. El trailer está al inicio de esta publicación).

Una vez visto la película, pasamos a hacer comentarios sobre algunos aspectos importantes: ¿Cuál es la ética de ese orden político que hay hacia el interior de la lógica de producción en el arte cuando el galerista decide qué mostrar, el artista qué elegir (o viceversa) y el espectador en el último rango de poder de influencia, decide ir o no a ver la obra?

Polly, la fotógrafa y personaje central de la película, si acaso comete la indiscreción de la curiosidad. Pero ¿Cómo poner en un orden jurídico, lo que se hace cuando se falsea la realidad en la lógica del poder del Arte establecido a través de la galería?

Por otro lado, ¿Dónde ubicamos la figura del anonimato en el arte como artistas? Ya no como espectadores, sino como productores que no queremos ser identificados aún.

¿Cuál es el pecado de Gabrielle cuando suplanta la autoría de la obra? ¿Dónde ubicamos esa transgresión de orden establecido en la idealización del arte como la virtud de la verdad expuesta en la obra?

Finalmente, hicimos y compartimos también una pregunta capital en la narrativa de la película: ¿Podríamos considerar como una anomia, la distinción entre lo que se impone como criterio en el arte clásico, a través de la imagen o de la imaginación?
¿Qué superpone a qué?

La única versión disponible online está por partes en estos links (Idioma original, subtítulos en japonés):

Después de hacer comentarios sobre esas preguntas, pasamos al índice que nos indica la lectura de Jean-François Chevrier, La Imagen Cuadro, la cual, quedará pendiente para la sesión más inmediata al regreso del receso en vacaciones de Semana Santa.

viernes, 20 de marzo de 2015

Decimoséptima sesión (19/03/2015)


Once Upon a Time in the West (Leone, 1968) 

En esta ocasión iniciamos la clase con temas que podrían parecer heterodoxos en un curso de Tendencias Actuales, pero que sirven para iniciar discusiones en torno a prácticas culturales a partir de lo que se hace, lo que se produce y consume en el Arte, finalmente. Uno de los estudiantes visitantes lanzó los dados al cubilete, y preguntó si se podría hacer una analogía entre lo que se considera “chilango” en su condición de migrante hacia el interior del país -es decir, en esa exterioridad terrenal, Terrum Ignota-, y el personaje construido del “judío errante”.

Derivado de ello, se hicieron comentarios sobre la estratificación del chilango en su propio contexto, en su propia ciudad, en donde en ocasiones, para el propio chilango, el yuppie atávico de la colonia Condesa se torna insufrible. Es decir, pareciera que el chilango convierte ciertas zonas de su ciudad en su propio ghetto, en su contingencia, donde un personaje de la Guerrero o de Sta. María de la Ribera no soporta al transgender de Nápoles o Coyoacán.

Se hizo alusión también al origen del desprecio que se le tiene al chilango o a la razón histórica. Se mencionó el texto de Mark Wasserman, Capitalistas, caciques y revolución: La familia Terrazas de Chihuahua (1854-1911), cuyo análisis histórico, deja ver en uno de sus pasajes, cómo desde el siglo XIX, se tenía ya cierto desprecio hacia la gente que desde la capital de la república emigraba hacia el norte.

Una vez agotado el tema, pasamos a otro asunto capital en la discusión en torno a la creatividad y su referente en el dominio técnico y la imaginación en las prácticas del Arte y el Diseño.

Se confrontaron ideas sobre la presunción de estudiantes de diseño, que suponen que ellos no tienen nada que ver con el arte. Y viceversa. A la sazón, se hicieron comentarios también, sobre cómo en uno de los credos de la escuela Bauhaus, se asumía que el diseño aterrizaba en el objeto hecho arte. Herbert Bayer, Walter Gropius, Mies van der Rohe et. al., suponían que el diseño era una condición indefectible en la concepción de la obra. Por tanto, una cosa va junto con otra.

Se abrió un paréntesis que nos permitió discutir si era mejor o peor poner primero a la teoría que a la praxis o viceversa. Y de ellos se derivó lo que se reconoce como creatividad y conocimiento en los procesos de producción de la obra.

Poco después, pasamos al campo del quehacer cinematográfico, y pusimos como ejemplo la analogía que había entre lo que hacía Ennio Morricone y Sergio Leone cuando ambos compartían proyectos al alimón creativos.

Y vimos la sección de apertura de la película Érase una vez en el Oeste (Leone, 1968), en donde la edición tiene elementos que remiten al nuevo esquema modernista de la fractalización o fragmentación del cuerpo y sus acercamientos en extremo. Igualmente, con referencias al cartón animado de la historieta.

Previo a la revisión de examen, hicimos comentarios sobre cómo en Estados Unidos, estudiantes de la carrera de Antropología de la universidad de Chicago, hicieron experimentos para observar cómo el sujeto social construye para sí, y a su alrededor, un espacio corpóreo como si se tratara de una esfera, ese espacio se supone que debe ser respetado, de manera tal que ese mismo espacio es el que no se quiere violentar cuando una cámara construye su eje que apunta hacia su sujeto-objeto modelo. Por tal motivo, se dijo, la cámara fotográfica es obtrusiva, instrusiva. Una vez expuesto y discutido lo anterior, se hizo la revisión de los ejercicios de examen. El trabajo "Media Anthropology" de Eric W. Rothenbuhler menciona estos estudios y habla más afondo del tema.

5.- Siguen pendiente para la próxima sesión, Sandy Skoglund, Maya Goded, Beechroft y Lessie Sarfati para regresar al tema de la perspectiva de género.

Décimosexta sesión (17/03/2015)


Foto: Alfredo Carrillo

Iniciamos la clase con algunos ejemplos de lo que se hace recien temente en una modalidad de fractalización, o esquemas de retícula. Para abrir con los ejemplos, vimos imágenes del fotógrafo mexicano Alfredo Carrillo.

Posteriormente, vimos imágenes que nos permitieron hacer ver cómo se constituye una imagen indicial o cómo es ésta un referente de lo que supone un índice, para ello vimos fotografías de Heinz Cibulka, y después, de Xolotl Salazar.

El tema de la especulación, lo ubicamos en una imagen de Michael Snow, Authorization (1969), donde vimos varias imágenes que nos remitieron también las pequeñas historias de Duane Michals en Things are Queer (video).

Vimos también el corto de Mad Men, The Carousel. Luego vimos ejemplos de cómo se relacionarían las imágenes de Oswaldo Ruíz y Alfredo De Stefano.

Para hablar de cómo la fotografía deja de ser ese objeto que se supone bidimensional y que se ubica en las paredes de la galería, vimos fotos de Roberto Pellegrinuzzi, de Doug y Mike Starn y de Michal Macku.

Para hablar de lo que se percibe como una estética irreverente o en la banalidad de los esquemas técnicos, vimos fotos de Nancy Rexroth (semblanza). Luego pasamos a revisar el tema de la Lomografía porque pusimos como referencia a la cámara Diana que usó Rexroth en sus fotografías de inicios de los años setenta.

También en este renglón, vimos un pequeño corto de Keith Carter.

Hicimos una analogía entre la obra de los siguientes autores: El fotógrafo mexicano José Luis Cuevas, Philip Lorca diCorcia (aquí hay un video con su obra) y Andres Serrano. Tratamos de ubicar características similares o compartidas.

Cerramos la sesión revisando algunas fotografías que sugieren un tema sobre la invisibilidad en la obra de Robert Barry y su serie de Gas Inerte.

Para la próxima sesión, después del examen, veremos a Sandy Skoglund, Maya Goded, Beechroft y Lessie Sarfati para regresar al tema de la perspectiva de género.